Chercheurs de sons

Retour aux affaires en douceur, avec peu de notes, et, pour l'instrument qui nous occupe aujourd'hui, peu de cordes, voire même une seule corde. Une guitare sommaire qui n'aurait pas déplu à Bobby "l'ami zantrop" Lapointe. Démonstration en images avec un blues acoustique interprété par le bien nommé Brushy One String, roi de la guitare à une corde.

On trouve de nombreux autres exemples de guitares à une corde chez les luthiers inventeurs. En voici deux exemples parmi les plus réussis.

Cardboard One String Guitar. Brendan de Vallance

Certains noms viennent immédiatement à l'esprit lorsqu'on pense aux pionniers de la guitare électrique : Les Paul, Alvino Rey, Charlie Christian, Merle Travis et quelques autres. Mais une femme mériterait de faire partie de ce panthéon guitaristique. En 1937, Letritia Kandle invente le Grand Letar, la première guitare électrique de table. Voici comment est présenté l'instrument dans Down Beat en octobre 1937, un des premiers articles de presse de l'époque dédié à cet instrument :

Paul Witheman et Letritia Kandle au Grand Letar

Ce nouvel instrument, connu sous le nom de "Grand Letar" (ainsi nommé par Paul Whiteman) a été inventé et construit par Letritia Kandle. L'instrument à 26 cordes et possède un effet lumineux très nouveau puisqu'il est le seul instrument dont la couleur change quand on en joue. Pendant six ans Miss Kandle a travaillé et développé le système harmonique de l'instrument à partir de celui d'une guitare hawaïenne 18 cordes qu'elle avait également conçue et fabriquée. Miss Kandle a interprété de nombreux programmes musicaux à travers les Etats-Unis. Elle possède son propre orchestre à cordes pour lequel elle écrit tous les arrangements. Miss Kandle a présenté son instrument lors du dernier salon des luthiers de New York.

Letritia Kandle dirige le Chicago Plectrophonic Orchestra

Très jeune, Letritia Kandle des dispositions particulières pour la steel guitar et en 1933 elle se spécialise dans la culture hawaïenne. L'année suivante, elle fonde un groupe de filles, The Koala Girls, qui joue de la musique hawaïenne. En 1937, Letritia a en rêve la vision d'un nouvel instrument de musique et travaille avec son père qui est ingénieur  et la société National Guitars pour que ce rêve devienne réalité. Kandle disait qu'elle avait rêvé que cet instrument est "un son plein, un peu comme celui d'un orgue, et qu'il puisse produire une harmonie complète et change de couleur à chaque changement de tons." Elle a ensuite voyagé à travers tout le pays et joué pour beaucoup de ses idoles mais aujourd'hui il n'existe aucun enregistrement de Letritia Kandle et du Grand Letar.

Elle n'a jamais connu la gloire et le succès comme beaucoup de ses pairs à la même époque et a progressivement sombré dans l'anonymat. National Guitars n'a jamais construit d'autres exemplaires du Grand Letar en raison de conditions de fabrication trop lourdes et trop coûteuses. A la fin des années 2000, un historien de la steel guitar nommé Paul Warnik a découvert par hasard une photo de Letritia Kandle et de son instrument et n'a pas pu la chasser de son esprit. Après enquête, il a retrouvé sa trace et a pu la rencontrer chez elle alors qu'elle approchait les 90 ans. Dans sa maison il y avait un Grand Letar remisé depuis 55 ans sous les escaliers. Il l'a fait restaurer et le Grand Letar a entamé une nouvelle vie.

Paul Warnik et le Grand Letar

« - Prendras-tu un apéritif ? demanda Colin. Mon pianococktail est achevé, tu pourrais l’essayer.
- Il marche ? demanda Chick.
- Parfaitement. J’ai eu du mal à le mettre au point, mais le résultat dépasse mes espérances. J’ai obtenu, à partir, de la Black and Tan Fantasy, un mélange vraiment ahurissant.
- Quel est ton principe ? demanda Chick.
- A chaque note, dit Colin, je fais correspondre un alcool, une liqueur ou un aromate. La pédale forte correspond à l’œuf battu et la pédale faible à la glace. Pour l’eau de Selbtz, il faut un trille dans le registre aigu. Les quantités sont en raison directe de la durée : à la quadruple croche équivaut le seizième d’unité, à la noire l’unité, à la ronde le quadruple unité. Lorsque l’on joue un air lent, un système de registre est mis en action, de façon que la dose ne soit pas augmentée – ce qui donnerait un cocktail trop abondant – mais la teneur en alcool. Et, suivant la durée de l’air, on peut, si l’on veut, faire varier la valeur de l’unité, la réduisant, par exemple au centième, pour pouvoir obtenir une boisson tenant compte de toutes les harmonies au moyen d’un réglage latéral.
- C’est compliqué, dit Chick.
- Le tout est commandé par des contacts électriques et des relais. Je ne te donne pas de détails, tu connais ça. Et d’ailleurs, en plus, le piano fonctionne réellement.
- C’est merveilleux ! dit Chick.
- Il n’y a qu’une chose gênante, dit Colin, c’est la pédale forte pour l’oeuf battu. J’ai dû mettre un système d’enclenchement spécial, parce que lorsqu’on joue un morceau trop « hot », il tombe des morceaux d’omelettes dans le cocktail, et c’est dur à avaler. Je modifierai ça. Actuellement, il suffit de faire attention. Pour la crème fraîche, c’est le sol grave.
- Je vais m’en faire un sur Loveless Love, dit Chick. Ça va être terrible.
-Il est encore dans le débarras dont je me suis fait un atelier, dit Colin, parce que les plaques de protection ne sont pas vissées. Viens, on va y aller. Je le règlerai pour deux cocktails de vingt centilitres environ, pour commencer.

Chick se mit au piano. A la fin de l’air, une partie du panneau de devant se rabattit d’un coup sec et une rangée de verres apparut. Deux d’entre eux étaient pleins à ras bord d’une mixture appétissante.
- J’ai eu peur, dit Colin. Un moment, tu as fait une fausse note. Heureusement, c’était dans l’harmonie.
- Ça tient compte de l’harmonie ? dit Chick.
- Pas pour tout, dit Colin. Ce serait trop compliqué. Il y a quelques servitudes seulement. Bois et viens à table. »

Le pianocktail de Boris Vian dans "L'Ecume des Jours", vous connaissez ? Si vous voulez en savoir plus, rendez-vous quelques notes en arrière avec en 2007  "Un pianocktail pour le réveillon", puis récidive en 2008 avec "Des pianocktails en veux-tu en voilà !", et pour finir en mars 2010 "Le retour du pianocktail". Jusqu'à aujourd'hui, on trouvait peu de videos de l'instrument sur la toile, jusqu'à ce que Jean-François Zygel n'ait eu la bonne idée d'inviter Voel Martin, de la Compagnie marseillaise La Rumeur, dans son émission La Boîte à Musique le 21 juillet 2011.

Le saviez-vous, cette année on fêtera le 60ème anniversaire de l'invention du Cristal par Bernard et François Baschet, ainsi que le 30ème anniversaire de l'association Structures Sonores et Pédagogie. Une occasion unique de (re)découvrir cet étonnant instrument. "Je voulais sortir du carcan de la musique contemporaine qu'on faisait à l'époque, celle de Boulez qui disait que la musique est faite pour être lue, et non entendue. Ce qui nous intéresse, nous, c'est la sensorialité, le contact direct avec la vibration", raconte Bernard Baschet. Avec son frère François, il élabore dans les 50 une première version du cristal qui aura une renommée internationale. Ce clavier vertical composé de tiges de cristal émet des sonorités pures et profondes au contact de ses doigts humidifiés. "Le cristal est un vrai instrument. On n'en invente qu'un ou deux par siècle", assure-t-il sans fausse modestie.

A l'occasion de cet anniversaire divers évènements se tiendront en France. A Saint-Michel-sur-Orge, où se trouve la grange-atelier de Bernard Baschet, auront lieu les 13 et 14 octobre 2012 au Conservatoire une suite de voyages sonores au travers d'une exposition des sculptures sonores et de l'instrumentarium pédagogique Baschet. D'autres animations se dérouleront durant ces deux journées. Plus d'infos ici.

La cristalliste Catherine Brisset, déja responsable de plusieurs cds dédiés au Cristal, vient d'enregistrer "Skylamp" sur l'excellent micro-label français Drone Sweet Drone Recordsqui vise à promouvoir les musiques hybrides et contemporaines.

Autour d'elle et de son instrument, huit compositeurs et autant de musiciens (Jean-Christophe Adam Walrand, Sébastien Béranger, Jean-Yves Bosseur, Florence Baschet, Eryck Abecassis, Claudio Jara, Thierry Alla, I-Chun Lee) ont composé et interprété des pièces pour solo, duo ou trio ; explorant ainsi des perspectives encore inexplorées, des matériaux sonores et modes de jeu multiples, questionnant les frontières entre acoustique et électronique...

L'album en écoute chez Bandcamp.

La prochaine édition du Festival Densités organisée par l'association Vu d'un Oeuf aura lieu du 26 au 28 octobre 2012 à Fresnes-en-Woëvre. Au menu d'un programme chargé et éclectique, deux rencontres avec des chercheurs de sons déjà évoqués ici-même, Frédéric Nogray et Jéranium et Man'hu. Du premier, je ne connais que "Nelki", enregistrement édité par Prêle Records, petit label aventurier sur lequel on rencontre deux autres cds de lutherie expérimentale, "Orgue de bois" d'Eric Cordier et et "Ziph" de Thierry Madiot. Interprétées exclusivement sur bols de cristal de roche, les longues plages de "Nelki" envoûtent et entraînent l'auditeur réceptif dans un état de méditation libéré de toutes contraintes. Les sonorités limpides du cristal évoquent celles des Verres enharmoniques d'Orbes (Emmanuel Holterbach et Sophie Durand).

Des seconds, je connaissais Pendule, vu, entendu et apprécié lors de la 23ème édition du Festival de Musiques Nouvelles de Vandoeuvre-les-Nancy en mai 2006, et aussi Léon Napakatbra, machine sonore géante aperçue lors d'une visite au Salon du Livre. Pour Densités, Jéranium et Man'hu, au sein de la compagnie Les Objets Perdus, présentent le Chronophone, installation sonore axée sur l'imprévu, l'inattendu et l'inouï.

Festival de l'Ephémère 25 septembre 2010

Will Menter m'a envoyé ce message. Vu son intérêt et avec son accord, je le relaie ici-même. Merci de bien vouloir respecter les droits de coyright pour l'utilisation de la musique.

Ersatzinette

J'ai ce bout de tuyau polypropylène depuis 1983, donc il a presque 30 ans. Il n'est pas si vieux que mon saxophone mais il est plus vieux que tous les vêtements que je porte. A l'époque je jouais plusieurs tuyaux simples sans trous, mais dans celui-ci j'en ai perçé six et je les ai arrondis avec un chalumeau, pour qu'il puisse jouer sept tonalités simples. Je le joue avec un bec de saxophone de la marque anglaise Lawton.

Chaque fois que je le joue il continue à me suggérer des différentes musiques, et, comme un vieil ami, il me fait rappeler qui je suis et m'assure de ma relation avec le monde.

Cette fois j'ai créé un morceau qui le réunit avec des instruments de percussion improvisés que j'ai fabriqués comme partie de ma recherche de flûtes éoliennes. 8 cylindres céramique detailles différentes chacun avec un trou. Avant de les monter dans les arbres pour tester leurs sons j'ai remarqué que j'ai bien apprécié les sons de manutention et percussion. Alors j'ai commencé à les enregistrer d'une manière non prévue, et les rythmes aléatoires que j'ai fait m'ont bien plu. C'était comme la pluie et les bourrasques.

Donc, ce morceau s'est créé à partir de ces deux instruments et de mes explorations pendant quelques jours.

Cette après-midi j'ai décidé que j'avais envie de partager ce moceau avec quelques gens de ma connaissance. J'ai hésité un peu car la durée est 12 minutes et ça me semblait peut-être audacieux de demander autant de temps et d'attention. Mais bien sûr que "demander" soit le mot important et sans doute un musicien engagé est surtout obligé d'inviter les gens à écouter sa musique.

Si vous habitez Lyon ou si vous passez par là, n'oubliez pas d'aller visiter l'atelier de Lionel Stocard, (dont j'ai déjà eu l'occasion de parler ici-même). Du 10 septembre au 10 octobre, l'artiste ouvre les portes de son antre. Une occasion unique de découvrir ou de redécouvrir des objets sonores le plus souvent inspirés par le rêve.

Révibracléide

Joueurs d’angklung
Dessin d'Emile Bayard paru dans L'Illustration en 1889.

C'est un petit instrument plutôt discret, aux possibilités mélodiques réduites mais pourtant particulièrement fascinant. D'après Wikipedia, l'angklung, angklung kocok ou angkalung est à la fois un instrument de musique en bambou et un ensemble de musiciens l'utilisant. Il s'agit d'un hochet complexe d'Indonésie populaire dans toute l'Asie du Sud-Est. Il se compose de deux ou trois sections de bambou servant de résonateurs, attachés et maintenus par un ensemble d'autres petites sections de bambou, plus fines, elles-mêmes reliées à un cadre, faisant office de portique. Il en existe toute une série allant de vingt centimètres à plus d'un mètre. On obtient de la musique de l'angklung en le secouant, faisant ainsi claquer les résonateurs de bambou sur les montants. Chaque instrument produit ainsi deux ou trois notes. Il est souvent disposé en série croissante si bien qu'au lieu d'avoir un ou deux instruments par musicien, ce dernier pourra en manipuler plusieurs dizaines. Généralement, trois personnes ou plus ont un angklung dans leurs mains, qui produisent des sons sur différents tons. De cette façon, il est possible de jouer une mélodie pentatonique complète.

L'un des pionniers de la lutherie expérimentale en France, le musicien et musicologue  Robert Hébrard, s'est intéressé aux possibilités musicales de l'angklung. Après plusieurs séjours d'études musicales à Bali, Robert Hébrard abandonne l'enseignement de la philosophie pour se consacrer uniquement à la musique : facture instrumentale, enseignement, composition, concerts. Au croisement des traditions d'Afrique, d'Indonésie et d'Europe, il crée une famille de percussions mélodiques en bois, bambou, pierre, peaux et parfois métal.

C'est dans ce même esprit qu'a été conçu l'Orgue à angklungs, un instrument original qui permet à un musicien soliste, contrairement à l'angklung originel, de jouer tous les répertoires possibles, sur une gamme chromatique couvrant 3 octaves. L'instrument chante comme un orgue bien qu'il n'ait aucune soufflerie et que le son soit produit par une pluie de petites percussions. Les photos qui suivent ont été prises lors d'une rencontre avec Robert Hébrard dans le Village Musical de Ribambelle à Rennes-le-Château pour la préparation du livre Chercheurs de sons. Le dessin de l'Orgue à angklungs tiré du même ouvrage est de Vincent Brunot.

Découvert grâce à Lutherie Urbaine (que je remercie ici), voici Mécaphonies, une installation sonore créée le 15 mai 2008 au Manège de Reims, dans le cadre d'un "Grand Soir", rendez-vous régulier organisé par le Studio Césaré et le Manège de Reims. 

Mécaphonies est un projet qui s’articule autour de 7 sculptures-machines de Laurent Golon pilotées, par le truchement d’une carte MIDI, par un ordinateur qui exécute des partitions de Jean-Marc Chouvel.Le dispositif est enrichi par un système sonore de diffusion qui fait entendre simultanément des séquences électro-acoustiques. Ces séquences s’intègrent d’autant mieux qu’elles ont été composées à partir d’enregistrements des sculptures réalisés à l’atelier. Chaque moment musical propose donc la rencontre de deux types de sons : le premier est stable, puisque enregistré, l’autre est plus aléatoire car il met en œuvre des mécaniques soumises à des forces contradictoires : pour une même commande de la carte, les sculptures produisent en effet à chaque fois unévénement sonore différent.

Mécaphonies#3 constitue une évolution du deuxième dispositif, avec bérimcell', présenté aux Instants Chavirés à Montreuil (93). La possibilité nous a été offerte d'approfondir le travail de sonorisation des sculptures à l'occasion d'une résidence au studio Césaré à Reims. Il s'agissait d'adapter le dispositif à un lieu tel que le cirque du Manège de Reims (un des cirques d'hivers du XIXe siècle les mieux préservés).

Le Berimcell' est un instrument hybride, inventé par Loran Brunet. Il allie les possibilités du Violoncelle, en particulier avec l’archet frotté, et celles du Berimbao, un instrument traditionnel brésilien. Les possibilités de cet instrument sont exceptionnelles, et la palette de sonorités accessibles extrêmement étendue. Laurent Brunet le joue habituellement avec l’archet préparé, un archet à quatre faces utilisé pour la première fois par Jean-Marc Chouvel dans une pièce pour violoncelle et dispositif : De ma fenêtre.

Dernière note de l'été dédiée aux plaques musicales avec les oeuvres de l'artiste Stéphane Dubois. Ici, il ne sera pas à proprement parler de "plaques sonores" mais de "fleurs de sable" et de "mandalas d'eau". Installé dans le Sud Est, le plasticien Stéphane Dubois poursuit depuis de nombreuses années un travail ambitieux dans lequel invention d'instruments et expression picturale sont étroitement liés.

Tambour

Depuis 1998 je conçois et réalise des objets sonores par souci de mise en résonance entre le masculin et le féminin exprimée jusque là par des rapports de formes pures dans mes sculptures-modelages. Depuis cette période, le rituel pictural (et les réalisations qui en résultent) associe délibérément le tambour et la toile (série "peaux végétales").

Peau végétale

Parmi les nombreux instruments réalisés, citons différentes caisses de résonance pour tambour  : "montgolfière" : caisse en verre réalisée à partir d'une bombone (de 25 litres), peau de chèvre et caisse de résonance basse à partir d'une cloche en verre suspendue ; "turbine" : réalisations à partir de formes en terre cuite et/ou résine favorisant un son long et riche en harmoniques ; "gendir": bendir géant de un mêtre de diamètre réglable en hauteur, en horizontalité et en tension. Ces tambours sont utilisés pour la création de "Fleurs de sable".

Fleur de sable

Depuis 2004 j'ai également développé des outils de visualisation du son (cimatique) qui permettent d'apprécier pleinement le lien intime unissant la forme et l'univers sonore : ces outils utilisent différentes substances (poudres, sables, liquides) et différentes modalités activatrices (percussion, voix et micro, générateur de fréquences) ainsi que différentes présentations (exposition photo, performances directes ou projection et diffusion, installations interractives). La matière sonore ainsi mise en oeuvre donne naissance à des formes et images qui offrent d'hypnotiques et étonnantes résonances à notre cosmos intérieur.

Mandala d'eau

Mandala d'eau

Devant la richesse de l'iconographie (bientôt rassemblée en album), voici une nouvelle note (exclusivement visuelle) sur les plaques musicales d'Ernst Chladni.

Figures de Chladni

Rencontre entre Napoléon et Chladni en 1808

Suite de mes notes sur les plaques sonores avec les plaques musicales inventées par Philippe Chaignon. Formé auprès des plus grands percussionnistes classiques et jazz (Gualda, Kenny Clark…), ainsi qu’à différentes percussions ethniques dont il a perfectionné la pratique par des voyages et des échanges autour de musiques du monde), Philippe Chaignon a à son actif une carrière de plus de 30 ans d’interprète (du solo à l’orchestre), dans les styles de musique les plus variés (allant du symphonique à la musique contemporaine,en passant par le jazz). Mais son activité principale est la création.

Il a créé plusieurs objets sonores, dont un instrumentarium en porcelaine équipé de capteurs. Les plaques musicales de Philippe Chaignon sont fixes ou portatives. Elles ont chacune un son acoustique propre, (bois, métal, plastique, cuivre, ressorts, etc... ) Lorsque celles-ci sont touchées, grattées ou frappées, le son nous parvient avec la même pureté et la même authenticité que si le matériau résonnait de loin “au creux de notre oreille “. Les utilisations artistiques et pédagogiques de cet instrument sont multiples. 

Extrait sonore ici.

Ma note d'hier consacrée aux Phasmes m'a donné envie de poursuivre l'exploration du jeu musical sur plaques vibrantes. Les Phasmes ne sont pas les seuls musiciens à s'être intéressés à cet objet sonore. 

Denys Vinzant, est un compositeur né le 27 Novembre 1955 à Grenoble. Etudes au Conservatoire National de Région de Grenoble - harmonie, contrepoint, fugue, orgue, histoire de la musique - puis au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris - écriture, analyse avec Betsy Jolas, composition et recherches en musique électro-acoustique avec Guy Reibel. Il fait partie, depuis 1985, du collège des compositeurs permanents de Grame - Centre National de Création Musicale à Lyon - ainsi que de l'équipe pédagogique du studio. Il enseigne au Conservatoire National de Région de Saint-Etienne où il est professeur titulaire de la classe de composition en musique électro-acoustique.

"Partitions cristal", "Livre de verre", "D'ore et d'espace", "Sources" et "Spirale", sont des oeuvres à la fois sonores et visuelles.

Dans "Spirale, vert luisant, goutte d'eau",  il s'agit de partitions écrites à l'encre dorée sur des plaques de verre qui vibrent et produisent elles-mêmes le son, sans l’aide de haut-parleurs. Grâce à un transducteur piézoélectrique fixé sur la plaque de verre, le son se propage à la surface de la plaque qui joue le rôle de la membrane du haut-parleur - magie du son qui vient de partout et de nulle part.

Le trio de plaques amplifiées Les Phasmes sera du 12 au 17 juillet à 20h 30 aux Hauts Plateaux, 4, rue des Escaliers Sainte Anne, Avignon. Les Phasmes ce sont trois musiciens,  Pierre Coiffard, Serge Innocent, Guigou Chenevier, sur une création sonore d'Emmanuel Gilot et une production du Collectif Inouï. De la musique concrète improvisée sur des plaques de verre, de bois et de métal, et avec l'aide de toutes sortes d'objets du quotidien.

En ces temps de crise du disque, de mort annoncée du compact disque, on ne dira jamais assez le courageux travail de défrichage des petits labels, qui continuent contre vents et marée à publier des enregistrements de musiques hors les normes. C'est le cas de Prêle Records, micro label avec sept références à son catalogue, dont trois ressortent du domaine qui nous occupe ici, la lutherie expérimentale. Deux d'entre eux ont déjà été présentés ici-même, L'Orgue de bois, de Denis Tricot et Eric Cordier, et Nelki, musiques pour bols chantants en cristal, de Frédéric Nogray.

Avec Ziph, musiques pour trompes et ballons, Prêle Records poursuit son exploration des musiques aventureuses. Mais d'abord, le Ziph, kézaco ? Thierry Madiot, son inventeur, l'a peut-être nommé ainsi en référence au zéphyr, ce vent d'ouest très doux et agréable, devenu curieusement vent violent sous sa dénomination populaire de zef. Quelle que soit son origine, le Ziph est un instrument simplissime, uniquement constitué de 3 éléments, un ballon de baudruche reliant un rouleau de revêtement de sol à un anneau. Sur des compositions de Thierry Madiot, un orchestre variant de 2 à  13 instrumentistes invente une musique hypnotique de bourdonnements et d'harmoniques, drone music électronique jouée sur des instruments acoustiques.

Le québécois Pascal Robitaille crée des environnements sonores pour le théâtre. Il a construit de nombreuses machines sonores, notamment pour En attendant Godot au Théâtre de la Bordée en 2006. En 2009, il a présenté certaines de ses créations lors du Carrefour International du Théâtre à Québec.

photo Fréderick Masson

Photo Nicola Vachon

photo Nicola Vachon

Il a présenté une installation audio en décembre 2011 aux studios d'Avatar, La machine à cadavre exquis, dont le coeur est une machine qui compose et prononce des cadavres exquis à l’aide d’un séquenceur mécanique aléatoire. Des billes, en tombant sur différents capteurs, composeront des phrases. L’idée est de faire s’exprimer le hasard en lui appliquant un vocabulaire.

Souvenez-vous, c'était l'année dernière à peu près à la même époque, je vous parlais de Nicolas Bras musicien dont je venais de découvrir les bien nommés "instruments de nulle part". Depuis cette date, Nicolas a étoffé sa panoplie de luthier sauvage et de nouvelles créations sont venues s'ajouter à un instrumentarium composé à l'origine d'une douzaine d'instruments. Flûte de Panche, Clavicapsule, Plurididj, Violon à clous, Chromojara PVC : ces ovnis sonores sont conçus à partir d'objets détournés ou d'éléments de récupération : boîte de conserve, tuyau PVC,  Si vous voulez les voir et les entendre, rendez-vous sans tarder à la Médiathèque Jean Cocteau à Massy dans l'Essone car l'exposition se termine le 18 février.

"J'ai commencé à m'intéresser à la lutherie expérimentale en fabriquant mon premier instrument, un didjeridoo en PVC... Je tente d'apprivoiser ces instruments plus ou moins dociles et de leur trouver une place dans mon environnement musical, sans pour autant délaisser les instruments traditionnels."

On connaissait la Dream Machine inventée en 1958  par le scientifique Ian Sommerville à partir d'une expérience de l'artiste et poète beat Brion Gysin. Un cylindre de carton présentant des fentes sur les côtés est posé sur le plateau d'un phonographe tournant en 45 ou 78 tours par minute. Une ampoule est suspendue à l'intérieur du cylindre. L'utilisateur placé devant la machine la regarde les yeux fermés. Les flashs lumineux répétés, dont la fréquence correspond à celles des ondes alpha du cerveau en relaxation, le mettent dans un état de conscience modifié. Pour ceux que l'expérience intéresse, on trouve sur le net des plans pour construire soi-même une dream machine.

Avec la Chambre expérimentale des rêves, l'aventure onirique se poursuit dans la dimension sonore. Le dispositif imaginé et construit par Lionel Stocard, dont j'avais furtivement présenté le travail ici, place l'apprenti rêveur au centre d'un dispositif d'immersion corporelle et auditive. A l'occasion d'une rencontre en Arles, j'ai pu découvrir et expérimenter la machine à rêves. A l'exception des deux premières photos, les images qui illustrent ce post ont été prises par Jessica Hervo. Plus de photos dans l'album "Lionel Stocard" à découvrir  ici-même.

       Ce "laboratoire artistique évolutif" est composé d'un instrument inventé, le Rêvibracléide, et d'un fauteuil en équilibre instable sur lequel vient s'allonger l'apprenti rêveur. Ce dernier, bercé tout à la fois par le balancement du fauteuil et par les sons utérins du rêvibracléide, ne tarde pas à plonger dans une transe légère propice à l'imaginaire et aux rêves.

Description du Rêvibracléide par Lionel Stocard :

Il s'agit d'un instrument électrique composé de plusieurs claviers. Le clavier central est constitué d'une corde basse qui vibre sous l'action d'une vielle électrique. On joue ensuite avec les harmoniques que l'on peut varier à l'aide d'un sillet mobile fixé sur une vis sans fin. Ce système permet de faire chanter la note donnant parfois l'apparence d'une voix humaine. Deux autres claviers sont munis de cordes de guitare, c'est le mode de jeu qui va enrichir les sonorités. On joue avec différents outils comme l'archet, des baguettes en inox ou en bois pouvant servir de percuteur. Un quatrième clavier est monté d'une corde basse qui peut être frappée par un marteau mécanique, un pendule micro permet de donner un rythme à la composition. Le dernier clavier est un dispositif composé de plumes permettant d'émettre des sons tout en conservant les deux mains disponibles. C'est en soufflant sur ces plumes contact que l'on restitue à des  hauteurs de notes différentes des extraits sonores samplés en direct.
A tout cet ensemble sont ajoutés un micro chant et quelques éléments de percussion comme sanza, baguette de bois cannelée, lame de laiton.

Bois- cuivre- laiton- micros électriques- cordes- Longueur 1,10m hauteur 1,50m profondeur 0,70m.